La arquitectura civil y religiosa en China

Antes de nada debemos hacer incapié en la importancia de la piedra como principal material de construcción, tanto en arquitectura civil como religiosa.
Dentro de la arquitectura China podemos distinguir la arquitectura funeraria realizada en piedra que está muy ligada a la vida en el Más Allá y al culto de los antepasados. Esta arquitectura consiste en un gran montículo donde se excavan las cámaras para el féretro y para el ajuar funerario. A partir de la Dinastía Han tenemos los ejemplos más destacados. 

También podemos encontrar los templos rupestres budistas que se encuentran escarbados en la roca y que siguen las pautas de los modelos indios. Su época de florecimiento se encuentra entre los siglos IV y X.

Templos rupestres de Yungang

La pagoda, que tiene su origen en la stupa india, es el monumento budista que sirve para contener las reliquias de Buda. Difiere de la india en su torre cuadrada o poligonal, en que sus dimensiones disminuyen en altura, en que está constituida por un basamento y varios pisos en número impar y cada uno con su respecto tejado, y un coronamiento de alto mástil con quitasoles superpuestos. Son edificios independientes o integrados a un monasterio-templo budista.

Pagoda Sakyamuni, de Fogongsi, en Xing Xian

Por otra parte, están los conjuntos construidos con madera de carácter religioso o civil como los monasterios-templos budistas al aire, alternativa a los templos rupestres de origen indio, también están los conjuntos palaciegos o residencias imperiales, siguen unos modelos que no variaron mucho durante el tiempo como la axialidad, el rodeado de murallas, la puerta monumental,… Presentan una tipología de planta rectangular, estructura adintelada, y de gran simetría y armonía. 

En la estructura podemos distinguir tres elementos, el basamento (tierra aprisionada o gravilla, piedra, ladrillos…), el cuerpo (de madera, con columnas y vigas y policromado) y el tejado (a dos o cuatro aguas, cubierto con tejas de barro cocido). 

Otra arquitectura muy destacable es la Gran Muralla, de carácter civil y militar (siglo III a. C) que se construyó para defenderse de los pueblos del norte.

La Gran Muralla China

Bibliografía:

BARLÉS BÁGUENA, Elena. Lo mejor del Arte del Extremo Oriente (China y Japón). Editorial Historia 16, Madrid, 1997, pp. 12-15.

Día Internacional de la Mujer

Con el motivo del Día Internacional de la Mujer dedico una entrada especial a las mujeres artistas, esas grandes olvidadas en la Historia del Arte. Este año tengo el honor de dedicarles una asignatura a estas mujeres y aquí os dejo un poco de lo que me ha parecido más interesante y reivindicativo.

Las mujeres durante toda la historia han sido poco valoradas, incluso olvidándolas. De esta forma, en épocas más antiguas era difícil ver una mujer artista, pues por las propias normas de los talleres se excluían a las mujeres ya que el aprendiz tenía que vivir con el maestro hasta terminar el aprendizaje, y como bien se sabe cualquier mujer debía de estar ligada a un hombre durante toda su vida, ya sea padre, hermano o esposo. De esta manera, prácticamente las únicas mujeres que pudieron practicar este oficio son aquellas que tienen un parentesco con un artista. También hay que tener en cuenta que dejaban para las mujeres los trabajos más “adecuados” a ellas y con más delicadeza, pero esto no significa que no haya grandes mujeres esculturas o arquitectas.

Luego, tras haber terminado el periodo de aprendizaje, y aunque se convirtieran en oficiales, ejercieran su trabajo y diesen clases a nuevos aprendices, nunca fueron consideradas maestras, pues estaba mal visto por la sociedad de entonces que una mujer tuviese ese puesto o se dedicase al tema administrativo. Era normal que detrás de una artista reconocida siguiese habiendo un hombre detrás, como fue el caso de la escultora Luisa Roldán, que a pesar de haber roto con todos los esquemas, su marido, Luis Antonio de los Arcos, sigue firmando por ella.

Con la irrupción de las Academias, el rechazo de las mujeres no iba a ser menor, pues se hacían dibujos al natural y las mujeres estaban privadas de este tipo de modelos al desnudo, por eso las artistas estarán orientadas al bodegón, al paisaje o a los cuadros religiosos. Aunque en muchos casos se admitía mujeres en estas academias, luego no aparecían en los retratos oficiales y si aparecían era de forma indirecta. En 1843 se realiza en Inglaterra una escuela femenina de arte y dibujo, es decir, una academia dedicada exclusivamente a mujeres. En cualquier caso, las mujeres prácticamente serán excluidas de los ámbitos académicos artísticos hasta el siglo XX.

Podemos encontrar muchas figuras femeninas dentro del arte, pero solo señalaré algunos casos más curiosos.

Un gran ejemplo lo encontramos a principios del siglo XV con Christine de Pisan, es una figura rompedora y pionera, pues es escritora y novelista. Es considerada un icono feminista, pues habla de esa invisibilidad de las mujeres y se hace esta pregunta ¿cómo se va a entender la vida de las mujeres si todos los libros lo escriben los hombres? En 1405 escribe La ciudad de las damas, un libro dedicado a recoger ejemplos morales de la vida de de la persona que se relata para provocar un sentimiento de inspiración y pautas para la persona que lee.

Sofonisba Anguissola, pintora italiana (aproximadamente 1532-1625). Fue una artista muy valorada en su época. Pertenece a una familia de intelectuales, todas sus hermanas son pintoras y una de ellas escritora. Pero también tenemos que mencionar que pertenecer a la nobleza, por lo tanto pueden recibir una adecuada educación y estar protegías  por las leyes gremiales y de las academias, pues realmente un noble no podía ejercer un oficio y por lo tanto se la considera una aficionada. Pero esto no hace que disminuya su talento, de hecho fue una pintora de tanta fama que entró en la corte de Felipe II siendo una de las nobles que acompañaba a la reina siendo también pintora de cámara. Su calidad no tuvo parangón siendo de esta forma que ningún hombre le quito ese puesto de pintor de la corte.

Dejando a un lado los años del renacimiento, nos vamos a los años 70 donde encontramos un ejemplo muy reivindicativo de la mujer.
Judy Chicago es la autora de  Dinner Party, presentada por primera vez en el Museum of Modern Art de San Francisco en 1979. Es un arte sofisticado sobre temas femeninos, pero levanta polémica. Esta instalación está formada por una mesa con forma de triángulo, en cada lado del triangulo hay sitio para trece asientos (recordando a la Última Cena), en cada asiento se dispone un plato con motivos sexuales, pero con aspecto floral, es decir, las vaginas parecen ser flores. A parte de estos distintivos platos, también hay un tapete, diferente para cada lugar, con el nombre bordado de una mujer muy representativa en la historia. Finalmente, en el suelo podemos ver más nombres de mujeres.

Es una crítica hacia los roles asociados a la mujer, el preparar la comida y servir la mesa, pero ahora Judy Chicago reinventa esta acción.  Ahora son las mujeres la que ocupan un puesto importante en esa mesa.

Mark Tansey

Título: “Mont Sainte-Victoire”

Autor: Mark Tansey

Técnica: Óleo sobre lienzo

Fecha: 1987

Dimensiones: 254 x 393,7 cm.

Ubicación: Thomas Amman Fine Art. Zurich. Suiza.

Mark Tansey nació en 1949 en el estado de California, Estados Unidos. Tansey es un pintor posmoderno reconocido sobre todo por sus obras monocromáticas y de gran perfección técnica. A pesar de la gran exquisitez en los detalles pintando objetos y personas reconocibles, sus pinturas siempre esconden algo oculto y misterioso que lo separa de la pintura realista o naturalista. Posiblemente esto haya sido causa de la aparición de la fotografía ya que esta se mostraba para los pintores como una herramienta de fiel realismo, y por lo tanto ahora la pintura debería alcanzar otros objetivos.

Uno de sus grandes inventos, el cual utilizó bastante, fue la “rueda de los colores”. Se trata de una rueda de madera construida con tres círculos concéntricos en los que hay escrito palabras y pequeñas frases, que al combinarlas entre si tras tres giros formaban frases que le daba una idea aproximada del tema para su siguiente obra. Con dicho objeto se podía hacer millones de oraciones posibles ya que cada círculo contiene 180 palabras.

En los ’70 fue fuertemente influenciado por la pintura de René Magritte, ya que Tansey  intentaba plasmar en su pintura oposiciones y contradicciones. En donde mejor consigue ese resultado es en “Mont Sainte-Victoire”.

En “Mont Sainte-Victoire”, como es normal en todas las obras de Tansey es monocromática, el único color que aparece es el rojo en diversas tonalidades. La pintura presenta una escena en un campo con una montaña de fondo la cual se refleja en un lago al igual que las personas. Pero al rotar el cuadro 180º se convierte en una escena dentro de una cueva. Exactamente no sabemos ni quienes son las personas ni que hacen, pueden ser tanto hombres como mujeres y pueden estar bañándose en un lago o cosechando. En esta obra queda patente la dualidad que intentaba conseguir cuando se fijaba en Magritte. En “Mont Sainte-Victoire” podemos ver que realiza un estudio de la transformación con la que juega dependiendo del punto de vista con el que miremos la pintura. 

http://elhurgador.blogspot.com.es/2012/04/mark-tansey-pintura.html (Consultado el 15/05/2012)

El beso, Klimt

El beso, Gustav Klimt, 1907-1908, óleo sobre lienzo, 180 cm. x 180 cm., expuesto en la Österreichische Galerie Belvedere de Viena.

Un hombre besa a una mujer en lo que parece ser un campo, aunque este campo acaba bruscamente en un acantilado. Podemos distinguir dos partes, una masculina en la que destaca las formas cuadradas, las rectas y los tonos negros y grises, y una femenina en la que predominan los círculos, las curvas y el color, son elementos opuestos pero a la vez complementarios. Ambos forman una masa dorada donde la única forma de ver la división es en ese estampado.

Es una escena antinatural, es un espacio indefinido, hay una luz irreal y cegadora y la posición de los dos personajes es forzada, tampoco se sabe muy bien la posición que tiene el hombre ¿está de pie o de rodillas?. En esta obra podemos destacar las carnaciones de la joven al igual que la decoración, el efecto de mosaico y el dorado que cubre casi toda la pintura otorgándole una gran luminosidad, puede tener su influencia en el arte bizantino y ruso.

En esta ocasión, Klimt ha sabido captar el erotismo en un beso eterno e intenso, parece que la mujer se deja arrastrar por el amor de él, se muestra dulce, vulnerable y frágil entre los brazos del hombre. Se cree que la pareja retratada puede ser el propio Klimt y su amante, Emile Flöge.

La obra recibió desde el primer momento una entusiasta crítica convirtiéndose en uno de los símbolos de la Secesión. La Secesión es una corriente paralela al Art Nouveau, podemos ver esa relación con el Art Nouveau en ese toque de fantasía, en los adornos florares y en el intenso dorado. Pero también podemos ver cierta influencia del Simbolismo pues la relación del espacio, personajes y color nos crea una atmosfera irreal y misteriosa.